Mejores películas antiguas para disfrutar del buen cine

Hay películas que no envejecen jamás. Es más, algunos largometrajes parecen no caer en el olvido colectivo y seguir sorprendiendo tanto como lo hicieron antaño; sin duda alguna, los clásicos inmortales del cine han logrado “detener el tiempo” y hacerse un más que merecido hueco en el imaginario colectivo y ser parte de nuestra mitología contemporánea… Hablamos de Han Solo como si fuese una persona real, o de Vito Corleone, o de Charlot. Esta estampa que dejan esas películas antiguas parece que traspasa contexto circunstancial que representan y pasan a ser obras maestras que, como sucedía en el antiguo teatro griego, cuentan una historia en un contexto y con temas universales. Justamente eso es lo que analizaremos hoy: algunas de esas joyas de la arqueología del séptimo arte.

El gran dictador, 1940 Considerada por muchos como la mejor película antigua

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Chaplin interpreta a un barbero judío y a un dictador alemán, en esta crítica del fascismo de la II Guerra Mundial.

La primera película sonora de la leyenda del cine, Charles Chaplin, no puede quedarse fuera de esta lista. Primero por el mensaje directo contra el nazismo, el fascismo y el anti-semititsmo que lleva consigo la película (con un clímax en los minutos finales del filme inigualables); y segundo porque la película vio la luz en plena Segunda Guerra Mundial, en 1940, y dicho mensaje era un tema muy espinoso de tratar en un largometraje.

En 1940, EEUU aún no había entrado en guerra contra Alemania y Chaplin tuvo la valentía de abordar una historia que se basaba en la realidad más atroz del momento. Sin embargo, el propio Chaplin no llegó a ser consciente de lo arriesgado de la propuesta; él mismo reconoció pasados algunos años que no hubiera rodado el filme si hubiese sido conocedor de los horrores que se llevaban a cabo en los campos de concentración. A pesar de todo, “El Gran Dictador”, tuvo un enorme éxito comercial y fue elogiada por la crítica.

Lo interesante es el enfoque que el archiconocido cineasta dio a la película, ya que daba vida a dos personajes literalmente opuestos: un dictador megalómano y un humilde barbero judío perseguido.

Para muchos está considerada la mejor película antigua en blanco y negro y una de las mejores sátiras sociales jamás concebida. Algunas de sus escenas son icónicas y representativas del séptimo arte, y pocos la dejarían fuera de una lista de mejores películas de 1940 y de la historia del cine.

En España no pudo verse estrenada hasta 1976, un año antes de que Chaplin falleciese; pero sorprendió como si se hubiese filmado el día anterior.

“El gran dictador” es a todas luces una leyenda viva entre las mejores películas de antaño.

Tiempos modernos, 1936 Otra gran película antigua de Chaplin

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En esta comedia clásica de Chaplin acerca de la Era de las Máquinas, un obrero que se dedica a colocar tornillos falla en todo, menos en enamorarse.

Nuevamente, Chaplin. En 1936, cuando el cine sonoro estaba ya consolidado, Chaplin dio a conocer este largometraje mudo que era fiel a los códigos que tan bien manejaba el maestro británico.

En esta ocasión, el tema era la emergente industrialización y los estragos que causó la Gran Depresión en las clases obreras. Chaplin sabía muy bien lo que era la pobreza y lo transmitió con humor, elegancia y ternura en esta obra maestra que ha pasado a los anales del cine como una de las mejores películas mudas.

A título personal no existe mejor recomendación entre películas antiguas en blanco y negro que “Tiempos Modernos” (con permiso de “La quimera de oro”; otra grandísima obra maestra, es que tanto aquí como en “El Circo”, vemos como Chaplin explora emocionalmente los límites de su famoso alter ego, Charlot, que confrontado con la alienación laboral intenta sobrevivir en un mundo frío y mecanizado.

La frialdad del tema tratado en el filme y la calidez de su protagonista, llevan a un contraste maravilloso que hacen que un@ crea en la magia del cine.

“Tiempos Modernos” es una película que no envejece; es perenne al pasar de los años y sigue dando que pensar. No es casualidad que sea una de las películas antiguas más vistas y más famosas del séptimo arte… Sinceramente: suerte la de aquell@s  que aún no la han visto, porque verla por primera vez es como enamorarse.

La trilogía del Dólar: “Por un puñado de dólares” (1964) “La muerte tenía un precio” (1965) “El bueno, el feo y el malo” (1966)

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El misterioso “Hombre sin Nombre” se involucra en tres historias donde reinan el poder del dinero, la guerra civil y los lugares más sórdidos del lejano oeste.

El género western fue muy popular durante los años 40, 50 y 60 en EEUU y el resto de Europa. Como consecuencia, Italia quiso dar su propio punto de vista con respecto a las grandes historias ambientadas en aquella época. Fruto de esa “asimilación” del género surgió los que se como “spaguetti western”. Quizá much@s vean este subgénero como de serie B; sin embargo, su máximo representante, Sergio Leone, sentó las bases y los códigos de una forma de hacer cine que aún a día de hoy sorprenden y son influyentes en gran cantidad de cineastas (Quentin Tarantino entre otros).

Hasta la llegada de Leone, las BSO originales de los westerns no eran tan características (inigualable Ennio Morricone; cuyos temas de la Trilogía del dólar son maravillosamente atemporales); tampoco eran tan característicos esos primerísimos planos de los personajes a punto de batirse en duelo; ni las miradas de esos brutales cowboys que parecían salidos del mismísimo infierno; tampoco era característica la violencia tan cruda ni el universo tan decadente que reflejaban los spaguetti western de Leone :el western norteamericano era más una fábula nacional donde todo estaba impoluto y donde los ideales de los protagonistas y el sentido de la justicia imperaban. Leone le dio una vuelta de tuerca al género y nos mostró a villanos despiadados y a “héroes” más despiadados todavía que eran más bien “antihéroes”. El dinero, la venganza y la ley del más fuerte eran los temas con los que Leone construyó su manera de hacer westerns: un entorno marcado por la desesperación; estancado en un marco temporal que casi parecía “postapocalíptico”; y donde sus grotescos y siniestros personajes parecen responder sólo a sus más bajos instintos. Inolvidables, por supuesto, los personajes de Clint Eastwood y Lee Van Cleef.

La ventana Indiscreta, 1954

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Un fotógrafo (James Stewart) sentado en una silla de ruedas y con una pierna enyesada espía a los vecinos y atestigua un asesinato.

Si hubiese que destacar un título de entre los muchísimos del maestro del suspense Alfred Hitchkock; “La ventana indiscreta” sería una de las candidatas sin duda alguna. El planteamiento ya es de por sí innovador incluso para hoy en día: un fotógrafo se rompe la pierna y como buen voyeur de la vida real (y superado por el aburrimiento), se dedica a contemplar por la ventana lo que sucede en su vecindario. Un buen día, queda horrorizado cuando es testigo dehasta aquí puedo contar (mejor dejar un cliffhanger que un spoiler).

Hitchkock es rey del suspense; siempre lo será. Sentó las bases de lo que hoy entendemos por “thriller” y en este filme se superó a sí mismo: toda la historia es contada desde el punto de vista de nuestro lesionado protagonista (el soberbio James Stewart), es decir, vemos lo que el ve; de modo que todos los personajes secundarios los conocemos en la distacia y sin escuchar sus voces: solo vemos lo que hacen, y lo que hacen es (en ocasiones) un hilo de suspense  que se estira hasta dejarnos con los ojos pegados a la trama. La verdad es que esta manera de contar la historia de “La ventana indiscreta” fue algo casi experimental para la época; pero Hitchcock era inigualable en eso de innovar cinematográficamente: con “La Soga” había deslumbrado a todo el mundo elaborando una historia (basada en un caso real) que se rodó en plano secuencia; y con “Un crimen perfecto”, la premisa era que el escenario era siempre el mismo y sabíamos quién era el asesino desde primer instante… y ahí estaba la magia del suspense hitchkoniano: en ver cómo se desarrollaban los acontecimientos puestas las cartas ya sobre la mesa. Con “La ventana indiscreta”, demostró que su talento y creatividad no tenían límite, ya que la idea era “ver lo que ve el protagonista y, por tanto, sentir lo que siente el protagonista”.

Ciudadano Kane, 1941 De las mejores películas antiguas para otra gran mayoría

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Un periodista se obsesiona con el hecho de comprender el significado de la última palabra que Charles Foster Kane dijo antes de morir: Rosebud. Para descubrir el misterio investiga a varias personas del pasado del magnate.

Ciudadano Kane, pasó a la historia del séptimo arte por ser, tal vez, la película más popular del famoso cineasta. Con este filme, Welles propició un fuerte golpe contra la figura  de William Randolph Hearst; un poderoso magnate. Y es que la película viene a ser una adaptación satirizada de la biografía de Hearst. Welles no sólo escribió y produjo el largometraje; sino que además, se adjudicó el papel protagónico.

Hay un dato bastante curioso con respecto a Ciudadano Kane: actualmente, es una de las películas antiguas más vistas y mejor valoradas; sin embargo, en su momento, resultó un rotundo fracaso de taquilla.  El motivo principal de este fracaso, se debió en gran medida en que el propio Hearst trató de silenciar lo máximo posible la existencia del filme prohibiendo su publicitación en los periódicos de la época. Esto supuso un tremendo batacazo para Welles, ya que la recaudación apenas cubría el coste de la película, y eso le llevó a tener serios problemas con RKO Picutures. Afortunadamente, el tiempo hizo justicia con la enorme calidad de esta brillante película cuando, en 1956, fue reestrenada en EEUU.

De “Ciudadano Kane” llama la atención la estructura que sustenta el filme: asistimos a un ejercicio implecable de narración desarrollada mediante flashbacks y la tensión y el suspense que emanan del largometraje, nada tiene que envidiar al mejor Hitchcock.

El Padrino, 1972

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América. Años 40. Una cruenta y violenta guerra entre varias de las familias más respetadas dentro la Mafia está a punto de estallar.

La gran obra maestra de Francis Ford Coppola ha tomado tintes épicos con el paso del tiempo. Para muchos, la trilogía de “El Padrino” es la mejor de la historia. Al igual que sucede con algunas otras trilogías (como “Star Wars”), con esta saga se da la peculiaridad de que la segunda parte se considera superior al filme original; sin embargo dicha secuela no tiene sentido sin la primera parte de 1972.

“El Padrino” tiene el privilegio de ser la mejor película de gangsters y mafiosos de la historia del cine. Además, su dúo protagonista, protagonizado por Marlon Brando y Al Pacino; ha pasado a la historia del cine como uno de los más icónicos y representativos.

La película se basa en la novela homónima de Mario Puzo (que, entre otras cosas, fué uno de los que elaboró el guión de otra gran película de los años 70: “Superman”) quien también se encargó de desarrollar el guión cinematográfico junto al propio Coppola y al no acreditado Robert Towne. Dos años más tarde se estrenaría “El Padrino, parte dos” y habría que esperar al año 1990 para asistir al desenlace con “El Padrino, parte tres”; ambas dirigidas también por Coppola.

El largometraje se alzó con tres premios de la Academia: Mejor Actor, para Marlon Brando; Mejor Película; y Mejor Guión Adapatado, para Mario Puzzo y Francis Ford Coppola. Sin embargo, antes de aquella ceremocia de los Óscar de 1973, la película ya había ganado cinco Globos de Oro. Además, el éxito en taquilla fue abrumador; casi se puede decir que hubo un antes y un después en la historia del cine con “El Padrino”.

Un clásico entre clásicos y una joya entre joyas, “El Padrino” es una de las películas antiguas mejor valoradas y una recomendación casi obligada para cualquier cinéfilo.

El Golpe, 1974

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Durante la Depresión, dos hombres buscan una manera de estafar al mafioso culpable de la muerte de un compañero.

Personalmente, si hay que quedarse con una película que responda a la mejor película antigua, a la más sorprendente, a la mejor orquestada y a la mejor interpretada; no puedo pensar en otra película que no sea “El Golpe” (1973).

El marco de la película es un extraordinario telón de fondo: los años 30 durante la Gran Depresión de EEUU. En dicho contexto, dos estafadores profesionales orquestan un magnífico plan para derrocar a un peligroso magnate que es responsable de un amigo común. El resto del film… es historia: la tensión de si saldrá o no el plan, engaños y giros argumentales brillantes, el FBI persiguiendo al dúo protagonista por todas partes…

…Y sobre todo, dos personajes de lujo: Johnny Hooker (interpretado por Robert Redford) y Henry Gondorff (interpretado por Paul Newman).

La película fue nominada a 10 categorías de los Óscar y se hizo con siete estatuillas; incluyendo la de Mejor Película.

El director, George Roy Hill, ya había reunido a Redford y a Newman en “Dos hombres y un destino”; sin embargo, pensó que podía sacar más provecho a esta dupla protagonista… y lo consiguió…¡vaya si lo consiguió! Hooker y Gondorff son dos personajes que han pasado a ser leyendas de la historia del cine y es que, a pesar de estar inmersos en un complot magistral y peligroso, seguimos viendo a dos personajes con una humanidad tremenda y arrolladora. Por momentos, el espectador no sabe cual de los dos personajes le provoca mayor simpatía; se ve tanto en estos dos personajes… tanta humanidad, tanta nostalgia, tanta determinación…

Además, la película cuenta con una virtud maravillosa: los protagonistas están metidos en un asunto peligroso y realmente arriesgado; pero la película lo presenta de un modo amable, entrañable… en ocasiones, las persecuciones protagonizadas por Hooker y un agente corrupto de la policía que no hace otra cosa que acosarle, parecen tan tensas como las del mejor Hitchcock y tan divertidas como las del mejor Chaplin.

Sin duda, “El Golpe” es la mejor película antigua de 1973 y poseedora de una banda sonora pegadiza, deliciosa, y siempre presente.

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